古典音乐概述

一、导言

为什么听古典音乐 1.放松,舒缓压力 2.传递对古典音乐的热爱 2.集中精力 3.提供了一个美好的世界意象 开设古典音乐课程的意义 1.陶冶情操 2.培养对古典音乐的热爱 流行音乐与古典音乐的不同在哪里 (流行音乐比较喧嚣?古典音乐比较庄重?) 古典音乐有明显的旋律,流行音乐中多的是鼓点与节奏 教材textbook:《聆听音乐》(亚马逊有售) 大脑中的左脑部分管理音乐 颞叶管理听力,处理你听到的一切,颞叶中左右两侧的初级听力皮层 额叶进行短期记忆,记住音乐(我额叶肯定不发达) Q: BGM:第五交响曲,贝多芬 焦躁,不安 BGM:第九交响曲 贝多芬 愉快,安详 大调和小调表现出不同的情绪(后面有些听不懂了) 音乐的走向也影响我们的情绪 BGM:月光 德彪西 安详 放松

1、导言:大调&小调 跳进&级进 主调(主音高):强烈感受到的主调 音乐的走向:升调&降调 音乐的两个维度:音高(竖轴)和时间

2、贝多芬第五交响曲(命运)与第九交响曲(欢乐颂)给人不同的感觉,前者焦虑、消极,后者积极向上,原因在于:1)小调与大调;2)跳进与级进;3)主音高是否明确;4)旋律走向,下行或上行。

3、音乐的两个维度(两轴):音高和时值(节拍、时间)

二、介绍乐器和音乐风格

1、多普勒效应:运用了楔形模式,低音–高音–低音 多普勒效应原理,最低的声音发出最长的音波,持续的最久 琴弦短一半,音高高八度,传播速度快一倍

2、交响曲四乐章,简短的开始部分乐章,缓慢抒情的第二乐章,衍生于舞曲的第三乐章,和快节奏迅速强势的总结的第四乐章

3、协奏曲三乐章,风格是独奏乐器和乐队分庭抗礼,妥协以及协作。

三、节奏:音乐的基础

1、如何听出曲子的节拍:重音,时值(重音多半在长音上),音域(乐曲中的伴奏有事会给出拍子的提示,低音中中,低音中中,和弦变化。

2、重拍:1.长音2.重音:莫扎特g小调奏鸣曲。下弓3.作曲家指出音域的不同。施特劳斯波擦擦。低音是重音4.通过和弦的变化downbeat

3、指挥,两拍子手势下上downup代表强弱,三拍子手势下平上downoverup代表强弱弱。 我可以把自己当作一个盎格萨克森人的清教徒我有足够的理由压抑我自己,盎格萨克森人的清教徒比喻保守。我可以自嘲我每天的生活,那你们这些年轻人,每日以作风彪悍著称,更应该合着节拍翩翩起舞。 重拍子强拍子总是在在每小节的第一拍这最为重要,我们错在我们的指挥手势总是合着乐曲的强音音做出重拍的动作,音乐的重拍合着手势下摆,我们做的平才是真正的重拍,我们之所以会把重拍放在第二步(平),是因为,重拍前有一小段音乐,我们称之为拾音头或唱头,好比运动员跳水前会先走一些小碎步在起板之前,就像在帮你们,扎实的吃准重拍,因此我们所说的重拍是非常重要的。总结:虽然所有的音乐都有重拍,不是所有音乐都从中拍开始,有的时候听音乐时你要等一会听一会,然后你们的身体和大脑大致才会告诉你们,开始给你们信号,告诉你重拍在哪里。作曲家会通过四个途径告诉你重拍在哪里:1.和时值相关,音符的时值延长,单纯把持续时间延长,我们就知道哪里是重拍。2.重音:莫扎特(上述),莫扎特的乐谱上会有楔形标识在每个重音上,这是弦手们总是会在那里拉重音,用下弓手势冲下,很重的手势冲下的时候是重拍出现的时候。3.音域:约翰施特劳斯 ,左手伴音,重音总落在低音上面,因此伴奏的音域或者音高,常常告诉我们这个途径。4.和弦:最重要(上述)。

4、关于音乐记谱法,这影响到我们如何处理音乐和如何看待音乐。音乐记谱法是西方特有的,并且有两大优势:一是让作曲家更精确地表达他所想表达的东西,这种作曲方式可以记录下音乐的细节;记谱法让我们能得以保护艺术成果,相当于把这件作品干燥冷藏起来并能够还原作品,比较精确地吻合作曲家的原意,整数这个特点取代了传统模式里的均衡,并把这种均衡完全舍弃,在高雅音乐(art music)中,演奏者往往不那么重要。

四、节奏:爵士、流行和古典

1、小提琴的碎弓对音乐(如交响乐)塑形,如烹饪中用淀粉塑性一般

2、syncopation切分 monophonic texture单音织体;homophonic texture主音织体;polyphonic texture复音织体

3、模仿式对位法:重复的旋律 自由对位:独立的旋律复调

五、音符,音节,基本细节

1、音乐中的旋律往往是高声部,高频更容易被人耳辨析 低声波要通过更长时间才听清楚,高频相对需要较短时间传播,所以人耳听高频更清晰 octave duplication 六音音阶: 这里老师也提到了印度的西塔琴,Raga音阶,一个八度有六个音:i,7,5,#4,2,1. 爵士音阶:1,2,3/b3,5,6,b7 五音音阶: 印度尼西亚: 中国:Abbing阿饼,pentatonic scale无声音阶 西方七度音阶: 古希腊,数学与音乐-八度音程2:1,五度音程3:2,四度音程:4,3,一个全音9:8 当希腊人安排好五度、四度和全音程后,发现有些缺憾-小半音laimma林马半音,即使7和1之间的距离,直到十四世纪人们才填满了所有的黑键 tonic note, leading tone 西方到16世纪才出现大小调分别,当时人们写牧歌,高兴时用一种调式,悲伤时用另一种,从而有了大调明朗小调阴郁的感觉,这是文化原因而非声学。[以色列国歌就是小调但是很欢快,所以充分说明时文化原因,klezmer music犹太音乐/克莱兹梅尔音乐对大小调的感情尤其模糊 ] chroma再希腊语中是color的意思,chromatic scale半音阶 莫扎特在安魂曲中将一段小调音阶和半音音阶连接起来,很好的作曲方式 conjunct melody级进旋律 分析贝多芬的欢乐颂第二主题:旋律---复音织体---低音=polyphonic texture

六、旋律:莫扎特和瓦格纳

1、旋律模进:模进亦称移位。这一手法即是将歌曲的主题旋律或其他乐句的旋律再或他们的乐节,乐汇等作重复出现时每一次的的高度都不相同者谓之。模进通常有:1、上行模进或下行模进(模进的方向),二度模进或三度、四度、五度模进等等(模进的音程关系)。2、首调模进(模进仅限于一个调性的范围内)或转调模进(模进是从原有的调转到另一个新调)。

2、终止式(cadence) 结束乐句或乐段的和声进行公式。又称收束。终止式是决定乐曲各种段落的和声因素,根据其和弦的基本功能属性,分稳定终止与不稳定终止;根据其结束的完满程度,分完全终止与不完全终止;根据其结束和弦的节拍位置与和声节奏,分强终止、弱终止、隐匿终止与规避终止;根据其在曲式结构中的位置,又分中间收束、终止收束、省略收束与补充收束。

七、和声:和弦和如何创建主题

1、所谓”顽固音型”,由几个固定音符组成,通常处出现在低声声部.例如德国作曲家帕海贝尔(Pachelbel, Johann)的<<卡农>>(Kanon)一开始的几个低音,不断反复出现并贯穿整首作品,好像一群顽固的音符,紧紧贴着低音声部,故又被称为”顽固低音”

2、一个三和弦有三个音高。主音、属音、次属音

3、和弦是西方音乐所特有的。和弦(chord)就是多重音高的叠加。和音,两个以上的音同时发出。和音可以是协和的也可以是不协和的。三和弦(triad)是和弦的基础。

4、和声也可以独立存在,例如巴赫的《平均律曲集》中的序曲,就是一系列演奏成琶音的和弦。查尔斯·罗格德为巴赫的和声添加了大提琴的旋律。

八、贝斯风格:布鲁斯和摇滚

1、流行乐一般只用三和弦 古典乐可以用三和弦 也可以在上面加上七音 一 三 五 七 九 十一

2、音乐总以主音结束,但不一定以主音开始

3、流行音乐通常都是三和弦,而且是原音(位)和弦,古典音乐不只是三和弦。流行音乐都有歌词,古典绝大部分没有,流行歌曲用歌词告诉我们意义,古典更复杂。古典音乐时长更长,情绪变化更丰富多元,流行音乐通常只有一个中心思想,表达一种情绪

4、低音部的选择很有限,由简单的和声进程组成,所以起诉人家抄你的音乐通常是抄旋律,低音部不大可能,选择太少了,几个世纪以来都在用相似的

5、流行音乐和古典音乐的区别:1)流—-较为简单的和声,喜欢用根和弦,多为三和弦;古—-和声复杂,也喜欢更复杂的和弦。2)流—-有歌词,可通过歌词来表达;古—-没有歌词,作曲家通过音程、速度等来传达含义。3)流—-简短,通常一首歌指传达一种感觉、一种情绪;古—-长,可以传达更多内容,有情绪的变化起伏。4)流—-有很多声学的东西呵电子合成技巧;古—-乐器发声。5)流—-规则的,可预测;古—-有更多的变化形式。

九、奏鸣曲式:莫扎特和贝多芬

1、six models(forms):ternary form 三段式,sonata allegro form奏鸣式,theme主题式,variations变奏式,rondo赋格式,fugue轮旋曲,ostiato固定音型

2、音乐体裁(genres)与曲式(form)的区别 体裁,就是一种常规的音乐类型。标准的古典音乐体裁 有:交响乐、弦乐四重奏、协奏曲、芭蕾、歌剧等。流行音乐的体裁有:新奥尔良爵士、布鲁斯、垃圾摇滚等。一种特定的音乐体裁预示着一种特定的表现力、特定的乐曲长度以及观众,甚至听众的着装和举止。 曲式,每种体裁的音乐都由乐章组成,每个乐章都由特定的曲式来表现。

3、奏鸣式:呈示部,发展部,再现部、exposition,development,recapitulation.典型的奏鸣曲,贝多芬的第五交响曲。奏鸣曲三段式:呈现、发展、再现 (exposition, development, recapituation; A-B-A)

4、交响乐有四个乐章:快乐章–慢乐章–小步舞曲或谐谑曲–终曲也是快乐章;弦乐四重奏也一样。协奏曲有三个乐章:快–慢–快。曲式让我们知道音乐进行到了哪个部分,开头,中间还是结尾。

十、奏鸣曲式和主题以及主题变奏

1、奏鸣曲乐章的四个功能:1)主题性thematic,可以明显的找出主题旋律;2)过渡性transitional,不安分的;3)渐进性developmental,有很多对位点,复杂的;4)终止式cadential或者称结束功能,逐渐结束。

2、主题性的:你可以哼出来,想唱出来的。过渡性的:不安分,有很多动作。节奏性的:很有节奏感。渐进性的:比较复杂,有很多对位点,有很多条线一起走

3、在变奏曲中,作曲家可以保持主题大体相似而在背景上做出变化,或可以变化主题本身。 赏析莫扎特的《星星变奏曲》: 变奏一:改变了主题本身,变一个音符为多个,让主题进行得更快,改变修饰主题的音符; 变奏二:没有改变主题而是改变了背景(即围绕主题的因素),右手的主题是一样的; 变奏三:很大程度上改变了主题的旋律,但在我们心中和耳中还是锁定了原来的主题旋律; 变奏四:基本没有改变主题,但对主题应用了切分节奏,并在自然大调中填充了一些半音音阶,使音乐变得丰富; 变奏五:使用了复调织体,模仿性的。实际上他是追溯到巴赫的风格,莫扎特在这里是要写很多模仿的赋格曲,并且是小调的音阶。 变奏六:在原来的二拍子之间插入一拍变成了三拍子,而在最后的尾声是个典型的终曲式,并使用了大三和弦,这是一个以简单素材结尾的终止式。

十一、曲式:回旋曲式,奏鸣曲式,主题变奏曲

1、勃拉姆斯的《海顿主题变奏曲》按照 A-C-E-C:前置(Antecedent)后 置(Consequent)扩展(Extension)后置(Consequent)。勃拉姆斯 在这首变奏曲中的处理方式是‖:A-C:‖:E-C:‖,他要分别重复这两个乐节,用特殊的方式来改变这 个十分简明的主题。

2、音乐中的“3b”,指的是巴赫(Bach)、贝多芬(Beethoven)、勃拉姆斯(Brahms)。勃拉姆斯是位认真的音乐家,他创作了四部交响曲、两部钢琴协奏曲、一部小提琴协奏曲,以及许多序曲和歌曲,还有许多著名的室内乐。但奇怪的是他从不写标题音乐,也不写歌剧,标题音乐往往是大篇幅的器乐作品。

3、维瓦尔第的Spring Concerto 也是rondo,ABA’B…A”, 不过最后回到A时转调了

4、莫扎特《圆号协奏曲》作于十八世纪七十年代。主题A用了很多相同音高的音让我们很容易就记住主题;B大量运用跳进,琶音;C是小调式。全曲的结构:A–B–A–C–A–B–A–Coda(结尾)。

十二、赋格:巴赫,比才和伯恩斯坦

1、赋格(fugue)源于古拉丁词,意为飞或飞翔。赋格是复调音乐的一种 固定的创作形式,即一个 声部先行,作为引导,然后另外一个声部跟进,赋格至少要有两个声部,也可多 达二三十个声部,键盘乐 器谱成和演奏的赋格是最好的。 最伟大的赋格作品是巴赫的《平均律钢琴曲集》的前奏和赋格集,赋格的鼎盛时期在巴洛克时代。

2、复调音乐可以分为模仿复调和非模仿复调,其中模仿复调又可分为卡农(一个声部从头到尾完全模仿另一个声部)和赋格(在主题出现之后,所有声部各自为政从而产生旋律配合)。

3、赋格中的插句(episode),它通常用于转调(modulate key),作曲家借助旋律模进(上行或下行)来转调。插句是对位的,它运用了主题中的部分动机,上下变化,来达到不同的调。赋格中的插句相当于奏鸣曲式中的发展部,插句就是一个迷你的发展部。

4、伯恩斯坦《前奏 赋格和爵士即兴》

十三、帕赫贝尔,艾尔顿·约翰音乐中的固定音型

1、最有名的固定音型低音ostinato base: Pachelbel cannon

2、奏鸣曲式 Sonata-allegro, 赋格 fugue , 回旋曲 ronda 三段曲式:ABA… 变奏曲式: theme and variation 固定音型 ostinato

3、固定音响:音乐上的强迫症。同一旋律不断出现。典型曲目:拉威尔的《波莱罗舞曲》the Bolero of Maurice Ravel

4、贝多芬《英雄交响曲》(Eroica Symphony第八交响曲)终曲 。贝多芬在写这首作品是以拿破伦为原型的,他从巴黎得到拿破伦将加冕为皇帝的消息,认为拿破伦也是个独裁者,于是愤怒地把他的谱子划破了。后来他就把这首作品简单地称作“为英雄谱写的交响曲” ,最后定为《英雄交响曲》。贝多芬在终曲中使用了两个主题,即双重变奏,一个在高音部,第二个主题在低音部。它以一小段序幕开始,之后的主题变奏一是低音主题以拨奏的形式出现。主题变奏二:采用的仍是低音主题,这里有主题以及与之对位的旋律。 主题变奏三:仍是低音主题,但这次转到第一小提琴部来演奏,音调变高了同时还加了更多的快速对位。 主题变奏四:出现了高音主题,先由极具穿透性的高音双簧管独奏,之后交由弦乐器回应。接下来是过渡型音乐,通常会用几个带有终止感的和弦来结束。从大调开始转到它的关系小调上,因为这是相当简单的结构性处理手法。 主题变奏五:插入赋格段fugato。贝多芬在过渡型音乐后引入另一种曲式作为新的变奏,即赋格曲式,从高音部开始然后音域逐渐降低,到中音部、次中音部、低音部。低音部所用的一个赋格主题是从前面的主题演变而来的,用了“转位inversion” 。 主题变奏六:主题延长。改变音符的时值,将原来的旋律节奏放慢,逐渐减速给人一种将要结束的感觉,将音值加倍的手法称为“主题延长augmentation”。有时在柏辽兹的音乐里会出现“主题缩减diminution”,甚至将时值减半,增加音乐的紧张感。贝多芬将第一主题里面的所有音符时值加倍,通过管乐队的烘托达到宏伟广袤的效果,然后将音乐淡出并加了一小段尾声结束。

5、普塞尔低音线Purcell bassline:是一个固定低音下行的四度音阶,用和弦填充了这个半音音阶。 在巴洛克音乐中被广泛运用。每当公众听到 这个固定低音旋律很容易联想到死亡和噩耗,它被沿用至今。蒙特维尔第的《Nifa 女神的悲歌》 、巴 赫的《康塔塔》《B 小调弥撒》 、 “钉十字架”中都可听到,这个低音是种悲伤的象征符号,艾尔顿·约 翰是放在副歌中使用的,之后转到了下一段主歌。这是个使用固定低音的例子,我们通常称之为“悲伤低音” (lament bass) ,莫扎特为悼念他的母亲而作的《E小调小提琴奏鸣曲》也使用了这个固定低音并不断下行。

十四、本尼迪克特教团圣歌和的音乐西斯廷教堂

1、传统西斯廷教堂唱法,即清唱

2、圣歌和新世纪音乐new age很接近,所以近期很受欢迎。它让人心平气和

3、教堂音乐的发展,圣歌,简单的节奏,没有对抗性,如羽毛漂浮在上帝的气息之中是对它的赞誉;就音乐而言,虽然简单,但是感觉也是很美妙,教堂音乐也是有发展的,发展到了复调,但是收到paul的影响,女声不会出现。所以为了追求高音,有了其他的替代方式,假声、少年和阉伶。文艺复兴时期,教宗的私人教堂,西斯廷大教堂的唱法:清唱。

4、圣歌与所谓的“新世纪音乐”有很多相似之处:圣歌没有对抗性,没有独断性,它能让你心平气和,并使你能凝神静思,也许能达到一种与神交流的境界。圣歌是一种与贝多芬音乐截然相反的类型,贝多芬试图让听众感受到他的音乐中每个时刻每个节拍的独特之处,是非常夸张的音乐;而圣歌却相反,它让你可以做主,不那么强势,不具侵略性,而是自由自在无拘无束。这些特征同样存在于“新世纪音乐”中。

5、中世纪的复调音乐也称平行复音,最早出现在法国城市中的哥特式大教堂,尤其是巴黎圣母院中。这些新哥特式教堂是用石块一层层地叠上去的,大约1200年音乐上也出现了这种垂直性,所有教堂的这种平行复音都是建立在格里高利圣歌的基础上,作曲家们只是在其之上加上其他声部而形成复调。男高音在其中的作用是咏唱圣歌并用长音节支撑住圣歌,这就是男高音被称之为“tenor”的原因,它来源于拉丁文“teneo”即保持、支撑的意思。因此人们将单音的圣歌以长音的形式在底部保持,在此之上创作新的复调。

十五、波洛克音乐:巴赫的声乐作品

1、巴赫为圣托马斯主教堂(Saint Thomas Church)创作的音乐叫做康塔塔,就主题而言它们是宗教的,用德语写成。巴赫创作了大约300首康塔塔,他通过这些创作把宗教康塔塔这种重要的音乐体裁提高到了其发展的最高水平,1730年左右停止创作。

2、持续低音:一种低音的合奏,一般是大键琴的低音部,或者是大提琴或巴松管,由两三个乐器合奏的低音部能够产生深沉而有力的低音,这是巴洛克音乐的典型特征。它与固定低音有所不同,持续低音是不间断的强低音,而固定低音是不断重复的低音,所以是一种特别的持续低音。

3、巴赫的康塔塔《醒来吧,一个声音在呼唤》 共七个乐章:乐章一合唱,乐章二宣叙调,乐章三咏叹调,乐章四合唱,乐章五宣叙调,乐章六返始咏叹调,乐章七合唱。宣叙调、咏叹调及合唱都有持续低音伴奏,第一、四、七章都有合唱部分,每一个合唱部分采用了“赞美诗”,即基督教派所谓的“颂歌”。

4、巴赫的去世标志着巴洛克时期的结束

5、咏叹调:意大利文是歌曲或曲调的意思,指任何抒情的旋律,比宣叙调更激情、更扩展也更动听。 宣叙调:来自意大利语recitativo,意为朗诵,像一种口语对白,伴有持续低音,歌剧的情节通过它传达给观众。因为宣叙调试图反映日常语言自然重音,它通常由快速重复的音组成,随后在乐句结束处有一两个长音。

十六、莫扎特和他的歌剧

1、莫扎特音乐的特点:平衡感;化平凡为神奇的能力;强烈的反差

2、莫扎特是一个神童,他的音乐与巴赫不同,巴赫是巴洛克式的,虽然在固定的篇章中运用过于繁冗,当然在大师的音乐世界中,我依旧是不懂大师们的艺术。莫扎特的音乐引人入胜,他创作的宗教音乐奖艺术与信仰联系在了一起,但是它们之间的关系还需要深入研究,莫扎特创作特点有以下内容:11、可靠的平衡感和均匀感。我们现在谈到的是音乐史上的古典主义时期,因为每一件事情似乎都处于平衡状态,这种风格你不会发现装饰物的过多点缀;2.化平凡为神奇的能力。在莫扎特的驾驭之下就像矛盾修辞法,有时候越是简单就越惊艳。 运用将简单手法叠合的能力,创造出磅礴、富于变化的层次感,例如这个别名来源于一部电影将它作为背景音乐,是根据《鸳鸯恋》小说改编而成。莫扎特对一个简单的大三和弦只做了小小的修饰,而对下行的级进音阶Ⅴ、Ⅳ、Ⅲ、Ⅱ、Ⅰ加了一点有趣的东西——嵌入半音音阶。3、莫扎特的猛烈波动基调,它开始于古典主义时期。这种基调的变化包含在一首单独的乐曲中,但莫扎特把它表现得异常强烈,让它在大调和小调之间摇摆得非常迅速,在全音阶和半音阶之间转换得也一样快。他想要展现不同的强弱变化程度,响亮而温柔,这是戏剧的本质所在,就是反差与冲突。

3、音乐艺术的两个主要益处 1、带给我们超越现实的美好感受。艺术和信仰这种概念,因为它给了我们美好的体验,一种美景,远远好过现在的无聊、乏味而俗不可耐、千篇一律的生活。确实有更美好的东西比我们更大更美好,那本质上就是艺术。2、带给我们美好的回忆。我不懂这些,但我想听一听莫扎特的歌剧《魔笛》

4、古典主义作为一个音乐术语有两个分开的但又有联系的含义。我们用古典主义这个词来指西方的“严肃”音乐或“艺术”音乐,与民间音乐、流行音乐、爵士乐、各种民族的传统音乐相区别。我们称这种音乐为古典是因为它的形式和风格都极佳,具有超越时空的美。但同时我们也把一个特定历史时期(1750-1820)的音乐叫做“古典主义”音乐(Classical中的C要大写),这是海顿与莫扎特写出伟大作品、贝多芬写出早期杰作的时期。这些艺术家的创作在公众心目中一致被认为比例均衡,形式准确,是完美音乐的标准。所以这个比较短的时期在所有具有持续审美价值的音乐中被称为“古典主义时期”。

十七、莫扎特和贝多芬的钢琴音乐

1、踏板的功能:前面所有的施坦威钢琴图片中都只有两个踏板,而最后这架镀金钢琴有三个踏板。两个踏板的钢琴,最右边的踏板叫做“延音踏板sustaining pedal”(或制音器踏板damper pedal),可以把制音器从弦列上移开。我们平常弹一下钢琴声音会很快消失,因为琴内有制音器——琴弦上方的毛毡,但是我们可以将这些制音器都抬起来,只要踩下延音踏板声音就不会很快消失。另一个最左边的踏板是“弱音踏板”(立式钢琴称soft pedal,三角钢琴称una-cords pedal),当我踩下左边的踏板时琴键可以偏移,实际上所有这些三根弦的组合都在平移,通过平移键盘和击键系统,使琴槌少击一根弦,只有两根弦参与振动,从而使声音变得柔和显得更安静

2、莫扎特是从为羽管键琴转而为钢琴谱曲的第一位重要的作曲家。当时羽管键琴是主流乐器,那是巴洛克音乐的标志。在1770-1780年间,年轻的莫扎特却更钟情于钢琴,因为羽管键琴只有一种力度而无法体现强弱。你可以取掉几根拉力杆,或者多加几根琴弦,但它很笨重,无法产生渐变的音阶,也无法做出高潮。不仅强弱对比很重要,声音的渐变也至关重要,所以人们开始转而演奏这种叫钢琴的乐器。 “pianoforte”:最开始这是一个词,是强弱音或弱强音的意思,它可以使音量有强弱之分。这种乐器于1700年在佛罗伦萨,由巴尔托洛奥&#8226;克里斯托夫里(Bartolomeo Cristofori)发明。过了大约50年它逐渐取代了羽管键琴。

3、作为教师和演奏家,他对音乐史中两种重要体裁的发展做出了极大的贡献: 1)钢琴奏鸣曲,这些主要是为他的学生创作的。是指一首三个乐章(快-慢-快)的钢琴作品,每个乐章可能运用古典主义作曲家最爱用的一些曲式:奏鸣曲-快板、三部曲式、回旋曲式或主题与变奏曲式。它的流行与钢琴的突然出现有着密切的关系。 2)钢琴协奏曲:是由钢琴独奏者和管弦乐队演奏的大型的、三个乐章的作品。在这种新型的协奏曲中,独奏者博得了所有听众的注意。莫扎特创作了23首钢琴协奏曲,比历史上其他任何作曲家写的都多,被认为是现代钢琴协奏曲之父。钢琴协奏曲是展示技巧的完美工具,莫扎特创作这些协奏曲主要是为自己写的,用来在音乐会作为亮点曲目。

4、莫扎特当初用过的这架钢琴并不大,只有五个八度,从F到F,每个键只对应一根弦。现代的三角钢琴,当你弹中央C时,会发现击弦槌实际上在同时敲击三根弦。 使用莫扎特当年用过的钢琴演奏莫扎特的《C大调奏鸣曲》。这首奏鸣曲在曲中第一主题结尾处的属音的音高要稍低于正确的音高,这是莫扎特钢琴弹到的音高,大概也很接近他那个时代所弹的音高。他写的是一个G调,但我们实际上要低于他写作音高的半个音,这是非常典型的。调音标准直到20世纪才相对固定下来,规定A音的频率是每秒440赫兹。莫扎特的钢琴听上去缺乏共鸣,没有那种宏亮丰富的声音,所以声音很快就散掉了;再就是钢琴的音色比较生硬。“连奏(legato)”和它的反义词“断奏(staccato)”,莫扎特的钢琴没办法弹出连奏效果。连奏来源于单词“ligare”,即平滑、连续的,但莫扎特的钢琴没有这种效果,听上去比较生硬,因为击弦槌是硬皮革做的,而不是用毛毡。直到19世纪,人们用毛毡覆盖击弦槌,声音才变得比较平滑。所以,莫扎特的钢琴更善于演奏快速的断奏。1791年莫扎特去世。

十八、浪漫派歌剧:威尔第的《茶花女》,波切利,帕瓦罗蒂和多明戈

1、威尔第的歌剧《茶花女》(1853年) 这部歌剧脚本是根据小仲马(大仲马的儿子)的戏剧《卡米拉》(Camille,法语“茶花”的意思)编写而成。讲述的是一个真实的原型人物——玛丽·杜普勒西斯的生活故事。她是一个来自乡下的姑娘,凭借出众的外表和人格魅力,成功登上了当时巴黎的上流社会。她短暂的、不幸的人生结局是威尔第的歌剧《茶花女》的主题。 《茶花女》歌剧的场景,是在1845年的巴黎,正是浪漫主义的巅峰时期。剧名的意大利文La traviata的原意是“离经叛道的女人“,当时她正被一个Baron Douphol男爵(歌剧里的反面人物)包养。故事讲述了病弱的妓女维奥列塔,先是抵御,然后屈服于一位新的求爱者——年轻的阿尔弗雷多·亚芒。

2、片段一:由阿尔弗雷多演唱的咏叹调《祝酒歌》,快速三拍子的华尔兹,大调和弦,这是一个欢快的大场面。 片段二:(阿尔弗雷多向维奥列塔表白了他的爱)男主角演唱的咏叹调“幸福的一天”,这是一个舒缓的三拍子,大部分时候是大调并穿插了一点小调。但接下去节奏明显放慢了,它是浪漫派的重要表现手法,叫做“弹性速度tempo rubato”(即灵活自由、变幻无常的速度),这是用变化的节奏表达音乐情感的一种方式,然后再提速跟上原来的节奏。当女主角维奥列塔(女高音)进入时,她的歌声以更快的速度和更短的音符把咏叹调的情绪变得更轻快,音区更高更明亮,有点轻浮的感觉,还有更多跳进,这是作曲家的手法,充分展现了维奥列塔轻浮、得过且过的特点。威尔第的直接的音乐性格描述发挥了作用:男主角的慢速的小调式旋律被女主角高音区轻浮而快速的音符所取代。最后,两个旋律汇合在一起,开始时的独唱咏叹调变成了一首二重唱。接下来的一个唱段,在男女主角兴高采烈的二重唱中,维奥列塔通过降低了音域转入一个类似小调的声音,音乐节奏也放慢,表达了男主角在这场音乐意志的较量中获胜了。 典型的威尔第式的音乐——歌手的演唱乐队只有一点拨弦来伴奏,或者干脆什么也不做了。在威尔第时代这是属于美声歌剧,所有的注意力都集中在独唱的旋律,管弦乐队仅仅为非凡美丽的声乐旋律线提供简单的和声支持,观众只关注人声,这与瓦格纳的乐队主导的音乐大相径庭。

3、场景:一种用不同的乐章组成的戏剧布局,包含了三个部分:一首咏叹调接一首宣叙调,再接一首快速的结束性的咏叹调。这样一种的三乐章的单元是一种意大利歌剧的戏剧常规。 卡巴列塔:是一种快速—结束性的咏叹调,其中音乐的加速允许一个或更多的独唱者在一场或一幕的结束处,在舞台上竞相演唱到最后。

十九、巨人的交响乐:贝多芬,柏辽兹,马勒,肖斯塔科维奇

1、莫扎特《G大调弦乐小夜曲》 莫扎特的这首小夜曲,是嬉游曲中的一种。 嬉游曲:是一种流行于18世纪的轻组曲。在当时主要用于上层阶级与宫廷生活的娱乐、社交、庆祝场合,相对于小夜曲是用于室外的演奏,嬉游曲主要用在室内演奏。作为小型室内合奏器乐曲,它的乐器组合、乐章数目以及曲式都十分自由。 这首乐曲非常轻盈、均匀、平衡,在古典时期的音乐中,有很多这样的有因果关系的乐句。管弦乐队要小一些,主要由弦乐器组成。我们通常会发现弦乐演奏的是主题,之后管乐会对它们进行附和或者呼应。这里曲子的结构比较单薄,它不用大型管弦乐队来演奏。它倾向于齐奏,基本上是一个旋律加上伴奏,循序渐进上升。这首曲子用了一系列装饰音,听起来像是个旋律,是个主题,或者是穿插在主题之间的音乐,引领着我们过渡到有着强烈主题对比的音乐上,作为一个片段的结尾。它试图带着我们从A点到B点,再从B点到C点等等。这是一种比较花哨的音乐,可以理解成带有目的性的音乐。

2、浪漫主义音乐的主要特点:1)旋律:旋律变得悠长而广阔,带有强有力的高潮和有表现力的半音。旋律已不再是古典主义时期的整齐、对称的结构。巴赫的《布兰登堡第五大协奏曲》开始部分,节奏是十分整齐的。进入古典主义时期后,节奏会比较随意,但仍然是一板一眼的。而到了浪漫主义时期的音乐,旋律更长会贯穿许多小节,有时会有长达七个小节的乐句,节奏更加灵活,形式更加不规则。同时,旋律延续了在18世纪晚期发展起来的一种趋势,即主题变得更加声乐化,更适合歌唱或更“抒情”。 2)和声:使用更多的半音使得和声更加丰富和色彩化;富有表现目的的突然的远关系转调;表现痛苦和渴望情感的更多的不协和音。 3)速度:不再受有规律的节拍束缚,常用的是弹性速度,会有很剧烈的波动。速度的自由处理经常由于力度的波动而加强——放慢时伴随着减弱,加快时伴随着渐强,以此作为一种解释,甚至夸张音乐流动的方式。这种带有浪漫主义美感的处理方式,会从一个极端跳到另一个极端,这在莫扎特的时代是没有的。莫扎特时代的钢琴,只有现在这架三角钢琴重量的1/10。因此你可以在现代钢琴上弹奏出很轻或很重的音色,管弦乐团也是如此。

3、弦乐器组:浪漫主义时期没有加入什么新的弦乐器,依然还是那四个基本的弦乐器——小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴。但所不同的是,19世纪小提琴的结构发生了显著的改变:首先琴马更高了,这样可以使整个乐器产生更大的张力;18世纪的小提琴弦有时是用肠线做成的,会用绵羊的肠子,但绵羊的肠子是没有张力,系上之后没有金属线那样好。19世纪可以生产更有张力的金属线、更高的琴马;而且提琴的指板也进行了延展,变得更长。所以斯特拉迪瓦里(Stradivarius)经常会砍掉指板,然后再装上一个新的指板重新组装。琴弓变宽,过去的琴弓马鬃不多,琴弓非常窄,而19世纪的琴弓比它要宽大约两倍,整个乐器也更强大了。

4、木管乐器:在这个家族里有新的乐器被引入,首先是高音上的短笛。贝多芬第六交响曲中暴风雨的场景就是用短笛来表现那种狂风呼啸的感觉,通过短笛高高在上的声音达到效果;低音巴松的加入能演奏比其它任何管弦乐器都低八度的音符,在木管乐器中高低音范围都有新乐器加入。英国管(一种低音或高音双簧管)是一种新乐器,它来自法国和德国的木管乐器。英国管有一种昏暗而神秘的音响,音质优美和丰富,它最有名的一首曲子就是德沃夏克《自新大陆交响曲》中的慢板乐章,创作于爱荷华州的斯比维尔(Spillville, Iowa)。

5、铜管乐器:由四个主要乐器组成——小号、长号、法国号(即圆号)和大号。铜管乐器演奏家不使用簧片吹奏,而是通过一个像茶杯形状的号嘴来吹奏乐器。 小号和圆号是排在第一位的,直到19世纪长号才加入到乐队。贝多芬在《第五交响曲》中引入了短笛、长号和低音巴松,他在最后的乐章中想要这种强有力的铜管乐器的声音。 在最后乐章他做了三件事来达到英雄效应:一是从小调到大调的转换,这是典型的三元主题;二是他带进了“长号”所产生的重炮效果;三是低音铜管也得到了延伸。 大号引入乐队大约是在1825-1830期间,第一位把大号用在管弦乐曲中的是柏辽兹,用在了他的《幻想交响曲》(Symphonie Fantastique)。大号最初是一种被称为开孔大号的法国乐器,柏辽兹第一次是在法国军乐队中听到这个巨型键控号角,他将其引入乐队以加强铜管乐中的重低音和低音部。 ★示范曲目:德沃夏克《自新大陆交响曲》(Dvorak’s New World Symphony)第二乐章片段 在第二乐章中可以听到扩大了的铜管乐器部分的强度和深度,以及大号演奏的极低音域。 铜管乐器中的圆号与早期的圆号所不同的是增加了许多活塞键,为了替代在弯管中滑动来改变号管长度的方法。18世纪的圆号只能吹出简单和重复的音高,很容易吹出我们以前提到的泛音,但吹不出半音阶,所以很少在管弦乐协奏之外演出独奏曲;而按键使演奏者能及时调整管子的长度,从而演奏出完整的半音阶,19世纪圆号开始作为独奏乐器出现。 ★示范曲目:勃拉姆斯《第一交响曲》(Brahms’s First Symphony)著名的圆号乐曲片段 这一段优美的乐曲特别突出了圆号的独奏。这段乐曲的速度缓慢得就像匍匐前进一样,这就是19世纪早期对时间的概念,他们所想象的时间及时间的流逝,也就是古生物科学开始发现地球的年龄,以及人类文明存在多久等等,一切都得到了延伸。

6、莫扎特在《G大调弦乐小夜曲》中的三和弦停留4秒钟,而瓦格纳在《漂泊的荷兰人》序曲的最后部分,仅仅将一个和弦的三和弦变成小调降下来,然后乐曲回到最初的和弦并且停留在上面,平均每个和弦用时近18秒,是莫扎特停留时间的4-5倍。主要原因在于乐队的规模不同。 莫扎特在维也纳演出时,乐队规模为三、四十人,贝多芬于1810年左右在维也纳演出时乐队为五、六十人。到19世纪后半叶,乐团持续加入各种乐器,铜管乐器越多就需要更多的弦乐器来平衡,因此乐团演奏人员逐渐增加到100人左右。莫扎特只有小型乐队,但他靠伟大的音乐理念获得成功,因为声音本身并不能解救他;瓦格纳和后来的作曲家们可能并不总有伟大的音乐理念(三和弦不是一个新奇的音乐理念),但他完全可以通过演奏来控制它,并且听起来很好。因为他有强大的乐团,用声音本身代替了音乐理念。莫扎特——了不起的思想,瓦格纳——了不起的乐团。 一个较大的乐团就可以演奏较长的乐章。演奏时参与的人越多,演奏所耗费的时间越长。更大的乐团显然声音更加华丽、富丽堂皇。19世纪以前,声音可能从未达到如此丰富的程度。这里还涉及两个问题,一个是物质世界,另一个是科学技术。19世纪的工业革命促进了冶金和设计方面的科技创新,并都运用到新乐器中。19世纪能够造成较大声响的乐器大概只有管风琴,此外还有蒸气机及其产品(如火车、汽笛等),另外真的就是管弦乐队了。 当你把数量众多的乐器都集中在一起的时候,就需要一个大型的并有良好音效的音乐厅来容纳。维也纳的金色大厅就是一个典范,也许是现今最完美的音乐厅,世界各地的音乐厅也仿照它来建造。美国波士顿交响乐厅(Symphony Hall in Boston)是金色大厅的翻版;另一座与其修建时间和风格都很类似的音乐厅,就是我们的沃尔西音乐厅(Woolsey Hall)。它基本上是长方形的,采用的是悬垂楼板(suspended floor),这样的地板可以充当共鸣器,是特地为管风琴建造的,交响乐也非常适合,当我去纳什维尔(Nashville)后被震惊了,他们翻版了一座金色大厅——施列尔梅霍恩交响乐厅(Schermerhorn Symphony Hall)。卡内基音乐厅(Carnegie Hall)在设计上则有些不同寻常。

7、马勒《第一交响曲》(Symphony No.1)片段 这是马勒于1888年创作的第一部交响曲,作品以一种不同寻常的方式向贝多芬致敬,它的开头有些像贝多芬《第九交响曲》的开头。这部交响曲虽然是纯器乐的,但使用了他的声乐套曲《流浪少年之歌》中已经用过的旋律。谈到马勒,人们经常用“宇宙性”加以形容。这部作品是有关马勒的风格,尤其是“宇宙性”风格的一个典型代表。 第一乐章:开头部分的小号有些像舞台之外的小号,会给人一种非常遥远的感觉。马勒使用很多的音乐素材,都是从一个特定的元素发展而来的。马勒是个特别善于发展的作曲家,德派系代表人物都很善于发展,如贝多芬、莫扎特、勃拉姆斯(但柴科夫斯基是个例外,就发展主题而言他就会有问题),他们所发展的是一种音乐素材的连接。 第二乐章:是一段令人愉快的谐谑曲。 第三乐章:是慢板乐章。交响曲的顺序通常是快板乐章—慢板乐章—谐谑曲—快板乐章—结束乐章。但在18世纪末19世纪初,顺序有时会改变。作曲家会在第二章使用谐谑曲,然后是小步舞曲,而把慢乐章放在第三乐章。刚才这段旋律是借用了《两只老虎》的旋律,所不同的是用了一种小调变体,在某种程度上把熟悉的曲调变得陌生。 第四乐章:这一乐章以纯管弦乐的声音营造出宏大的开场烟花似的序曲,经过过渡后会表现一些主题。开始这里使用了两个主题,稍后又转换了其它主题;第二主题部分使用了奏鸣曲式,有一段很长的乐章大约持续了3分钟。这是浪漫主义最精髓的时刻,他沿用我们以前听过的柴科夫斯基相同的主线,使用了一个温暖优美的小提琴的声音;在乐章的最后部分能听到鲜明的管弦乐对比,越来越强烈。前面的那个小调主题被重复了一遍,但在重复时把前面所有半音阶的小调都换成了大调,大量的英雄式的小号加入进来共同演绎主题。我认为这是传统管弦乐最后的巅峰之作,之后再也没有超越它的。结尾处的音乐戛然而止。

8、交响乐作曲家主线 ,主要是德国交响乐派,但它成了美国的模范。从莫扎特到古斯塔夫·马勒(2M),这些著名的作曲家中并非全是德国人。比如,柴科夫斯基(俄国)、柏辽兹(法国)、德沃夏克(捷克)等,但他们基本上都受德式传统风格的教育。德式传统风格起源于巴赫,虽然他并未写过交响乐。经莫扎特、海顿、贝多芬直到马勒。

二十、印象派音乐和异国情调:德彪西,拉威尔和莫奈

1、“印象主义音乐(musical impressionism)”一般来说是指音乐史上1880—1920年时期,在法国兴起的反对德国浪漫主义音乐的运动,从某种程度上说它之后扩张到英国、意大利、美国。印象派作曲家最重要的是克劳德·德彪西(Claude Debussy,1862-1918),是他开创了法国作曲流派——印象派音乐。

2、德彪西《月光曲》(Clair de lune)片段 这首曲子第一个15小节,这种由下落的动机引发的缓和只在这一点上升,同样有趣的是,这里没有清晰的拍子,很难用脚踩出节拍进行指挥。接下来这一段每个和弦的全部音符是在所谓的平行进行中移动的,每个声部可能有六个不同的音符,所有声部都朝着一个方向(非相反方向)一起移动。 平行进行:是对位的对立面,对位是传统的音乐技巧,其中两个或更多的旋律线条通常在彼此相反的方向上运动。平行进行是德彪西的一种创新,它是德彪西用来表现对瓦格纳和勃拉姆斯的德国学派的反叛的一种方法,那个学派非常沉迷于对位。接下来的旋律有如此丰富的音色,堪比吉它,像在底下伴奏但很简洁利落。 印象派音乐的另一个特点是出人意料的和弦。先是正常的和弦,变换的新和弦并不是四度或五度外的和弦,而是三度外的和弦。“大三和弦”根音是大三度,三音是小三度;“小三和弦”反过来,根音是小三度,三音是大三度;“减三和弦”只有两个小三度,是范围最小的三和弦。 增三和弦:因为包含增音在古典主义时期音乐中极少出现,特点是根音与三音、三音与五音都间隔大三度。该和弦音响极为粗糙,属于极不协和的和弦。

二十一、现代主义和马勒